###### foto di Sophie Anne-Herin
Il Quartetto Maurice, attivo dal 2002, ha approfondito lo studio del repertorio della musica contemporanea con i più grandi interpreti e con i maggiori compositori dello scenario musicale internazionale e si occupa inoltre della promozione di nuova musica attraverso commissioni a compositori italiani e stranieri, mantenendo una curiosità e una apertura a 360° sul frastagliato panorama compositivo odierno. Lavora attivamente in una formazione ‘espansa’ con l’elettronica, esplorando le possibilità della musica cameristica di esplorare nuove forme.
Dopo aver avuto la possibilità di confrontarci con metà del gruppo in occasione della decima edizione di Musica in Prossimità, festival di musica contemporanea e sperimentale di cui il Quartetto cura la direzione artistica a Pinerolo, abbiamo colto l’occasione per un confronto sulla loro attività, data anche la recente pubblicazione su Holydays Records di “Fragmente – Stille, an Diotima”, quartetto d’archi composto da Luigi Nono nel 1980.
Abbiamo recentemente avuto occasione di fare una chiacchierata introduttiva all'edizione 2024 di Musica in Prossimità, festival che avete creato e che organizzate. Come è andata la vostra collaborazione con il quartetto vocale SoloVoices?
Non è mai facile né scontato lavorare insieme ad un altro ensemble che ha le proprie dinamiche interne ed abitudini consolidate, ma proprio per questo è stato molto formativo. I brani commissionati ci hanno dato la possibilità di conoscerci e di lavorare su diversi aspetti dell’interplay come la pulsazione, la dinamica, gli attacchi e le chiusure e su come trovare un approccio comune verso il pubblico.
In Nodo Infinito di Juste Janulyte l’obiettivo è stato quello di trovare un suono unico ed un respiro comune. Attraverso l'ascolto reciproco abbiamo cercato di trovare e ritrovare un incontro nella costruzione dei lunghi crescendi e lunghi diminuendi, che la compositrice chiama onde, attraverso un gioco armonico e dinamico che potrebbe apparire semplice ma che invece richiede una grandissima cura e che poi risulta estremamente efficace.
In “Mirror Game” di Lang, l’organizzazione del lavoro è stata invece differente in quanto il brano è costituito da parti aperte in cui l’ensemble deve coordinarsi attraverso uno degli esecutori che, a turno, fa da riferimento per il procedere degli eventi. Si alternano a questi momenti le scene invece sincrone. Tutto il brano si svolge senza soluzione di continuità, dunque si è dovuta costruire una alternanza di “guide” per le varie scene; oltre a sviluppare un differente approccio alla resa acustica, in quanto quartetto d’archi e quartetto vocale sono posti quasi uno di fronte all’altro come di fronte ad uno specchio. Molte le prove per equilibrare il suono degli archi con quello delle voci in una sala apparentemente molto generosa e con una buona qualità acustica ma difficile sul fronte dell’equilibrio, soprattutto tra frequenze alte e basse. Questo ci ha portato quindi alla consapevolezza di dover studiare di volta in volta la risposta della sala, nei concerti futuri, cosa che con il quartetto è ormai pratica consolidata e veloce, ma invece con un nuovo gruppo che usa uno strumento diverso dai nostri sarà un procedimento più lungo e complicato.
A ottobre è uscito il vostro ultimo LP, per il quale avete inciso Fragmente – Stille, An Diotima di Luigi Nono: cosa vi ha spinto a questa fatica discografica e come si è sviluppata? Quale è il vostro rapporto con Nono?
Uno degli obiettivi del Quartetto Maurice è da sempre lo studio del grande repertorio per quartetto d'archi della seconda metà del Novecento. Alcuni autori hanno lasciato un segno indelebile nel panorama contemporaneo, contribuendo a veri e propri balzi in avanti nello sviluppo del linguaggio compositivo. Luigi Nono è stato certamente una di queste figure, oltre che un autore di grande respiro filosofico e personaggio dall'impegno politico incessante durante tutto il corso della sua carriera.
La profondità delle sue composizioni ha catturato molto tempo fa la nostra attenzione, ma solo nel 2020, complice anche lo stop imposto dalla pandemia, ci siamo decisi ad affrontare il monumentale "Fragmente-stille, an Diotima". 45 minuti consecutivi di suoni, silenzi, immaginazione, staticità, sussurri, vortici... dopo un anno di studio ed alcune esecuzioni dal vivo, abbiamo deciso di lavorare anche al progetto discografico di questo brano, prodotto dall'etichetta Holidays Records e con l’uscita in occasione del concerto per il festival TOlistenTO. Non siamo un quartetto che sforna dischi in continuazione, dunque per noi la scelta di incidere questo brano è stata molto sentita. La distanza temporale con la scrittura dell'opera è stato l'innesco per un dialogo tra digitale ed analogico, su vari piani artistici (la prima tiratura e’ un vinile, all'interno del disco e’ presente un contributo della fotografa Sophie Anne Herin con due stili di stampa; il testo critico è della musicologa Francesca Scigliuzzo in dialogo con un testo dello stesso Nono).
Osservando il vostro repertorio si trovano molti compositori giovani tanto quanto grandi autori del XX secolo. Immagino che questi due casi portino a un contesto e a un modo di lavorare diversi, come funziona per voi?
Contrariamente a quello che si potrebbe pensare il nostro approccio, sia per quanto riguarda partiture più giovani o nuove che per quanto riguarda il repertorio piú "storico", è il medesimo; approfondimento continuo sulla partitura e ricerca sonora nell’ambito delle infinite potenzialità interpretative che offre la formazione del quartetto d’archi. La sola grandissima differenza è quella di avere la possibilità o meno di interagire con il compositore o la compositrice.
Come funziona il lavoro di un quartetto d'archi come il vostro? Non mi riferisco tanto alla ricerca di fondi e ai rapporti professionali tanto quanto al lavoro musicale delle prove, dell'interpretazione della partitura, del dialogo con i compositori.
Il lavoro di un gruppo di musica da camera, o se vogliamo in generale il lavoro di un interprete di musica classica e di musica classica contemporanea, parte sempre dallo studio e dall'approfondimento della partitura. Il testo (quando c’è) e’ per noi una risorsa altrettanto importante e sulla quale facciamo una grande ricerca. Per fare questo e’ necessario uno studio se vogliamo anche musicologico sull’autore, sul contesto storico e musicale nel quale si e’ mosso e una conoscenza personale del compositore nel caso di opere contemporanee nel senso stretto del termine. Il dialogo con il compositore e’ spesso continuo, fatto di incontri, di racconti e condivisioni e di reciproche conoscenze. Questo pone le basi per immaginare un’interpretazione che poi invece ha a che fare con il nostro gusto, con il suono che immaginiamo, il nostro se’ e la nostra fisicità. L’interprete e’ il filtro tra la partitura e chi ascolta. In fondo noi siamo i primi ascoltatori di noi stessi e cerchiamo di far aderire il piu’ possibile la nostra interpretazione a come e cosa siamo.
Ci teniamo molto che venga compreso e riconosciuto il processo creativo che un interprete fa perche’ spesso pare ambiguo, non chiaro, proprio perche’ tratta tutto cio’ che a parole forse e’ difficile spiegare.
Sembra che il dispositivo compositore-ensemble di interpreti sia una delle ultime barriere invisibili tra la grande massa fluida delle arti sonore contemporanee e quella che mi azzarderei a chiamare "New Music" e derivati, non tanto a livello estetico quanto di ambiente culturale e contesti di ascolto e di apprendimento. Questa barriera si dissolverà? E qual è il ruolo di festival crossover come Musica in Prossimità in questa operazione?
Non sappiamo se questa barriera si abbatterà ma sappiamo che l’obiettivo di Musica in Prossimità è proprio questo. Ciò non vuol dire che i lavori e gli approcci alla materia musicale siano totalmente diversi a seconda di dove hanno origine, e non pensiamo neanche che i due mondi debbano snaturarsi, ma quello che con Musica in Prossimità auspichiamo è che i due mondi si avvicinino e imparino uno dall’altro, che si abbattano pregiudizi e preconcetti riguardanti il mondo della musica contemporanea in senso più ampio. Per creare i contenuti del festival passiamo molto tempo ad ascoltare tanti artisti e tanta musica diversa; porsi in ascolto è forse il termine più giusto per descrivere una attitudine sia interiore che pratica all’interno dei vari contesti musicali in cui possiamo muoverci sia come interpreti che come organizzatori.
Ultima pubblicazione del musicista torinese Michele Anelli, “They Didn't Fall” presenta tre brani che esplorano simbolismo e spiritualità. Il disco si compone di tre episodi dallo stesso nome, in cui una narrazione impressionista tenta di raffigurare la grazia degli animali, coloro che non caddero nel racconto biblico della Genesi.
Tra il collage, l’impressione sonora e la loop music, “They Didn’t Fall” ci presenta la poesia di tre ambienti e delle creature che li abitano, restituendoci il mistero e la poesia della manipolazione del suono.